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Le palmarès du 37e FIFF est connu !

Le palmarès du 37e FIFF est connu ! 1920 1280 Jean-Philippe Thiriart

Le 37e Festival International du Film Francophone de Namur (FIFF) a pris fin ce vendredi 7 octobre avec l’annonce au Delta, haut lieu culturel de la cité mosane, du palmarès de cette édition 2022, suivie de la projection du film de Clôture : Pour la France, de Rachid Hami, en présence de l’équipe du film.

Après un retour en images sur cette édition du Festival, le président et la déléguée générale du FIFF, Jean-Louis Close et Nicole Gillet, en ont dressé le bilan, cette dernière ne manquant pas de rappeler l’objectif premier du Festival de Namur : « Partager le cinéma. En vrai. En grand. » Et de rajouter que c’est avec les plus jeunes, spectateurs d’aujourd’hui et de demain, que le FIFF souhaite notamment partager ce cinéma.

Pendant huit jours, le 37e FIFF a fait de Namur la Capitale du cinéma francophone
© Vincent Melebeck

Les Prix OFF Longs Métrages

Les premiers prix décernés ont été les Prix OFF Longs Métrages. Ceux du public d’abord, le Prix du Public Documentaire belge récompensant le lumineux Sœurs de combat, de Henri de Gerlache, tandis que le Prix du Public Long Métrage de fiction est allé à la comédie Les Grands seigneurs de Sylvestre Sbille, deux films produits par Eklektik Productions. Sylvestre Sbille n’a pas manqué de remercier Renaud Rutten, son coscénariste et acteur principal, ainsi que le public, lui « pour qui on fait des films ».

Ce sont ensuite deux films distribués par Cinéart qui ont été primés, le Prix BeTV récompensant Le Sixième enfant, du Français Léopold Legrand, en salles depuis mercredi dernier, et le Prix RTBF allant au nouveau film de Valeria Bruni Tedeschi : Les Amandiers, qui sortira chez nous le 16 novembre.

Dernier Prix OFF à être décerné, le Prix de la Critique, remis par nos consœurs et confrère de l’UPCB et de l’UCC Dimitra Bouras, Elli Mastorou et Julien Branle, est allé à un film qui les a « agréablement surpris » : Les Femmes préfèrent en rire, de Marie Mandy. Une réalisatrice belge pour qui ce fut « un bonheur de pouvoir montrer son film sur grand écran », elle qui espère que celui-ci « pourra porter les messages profonds et forts des femmes humoristes » qu’elle nous présente dans son film.

Les Prix des Jurys Junior et Émile Cantillon

Place ensuite au Prix du Jury Junior, attribué par un jury de sept jeunes Belges âgés de 12 ou 13 ans. Et c’est Dalva, de la Belge Emmanuelle Nicot, qui a été récompensé, une photographie de l’artiste Mara De Sario étant remise à la productrice du film : Julie Esparbes, de la société de production belge Hélicotronc. Cela pour « le jeu d’acteur et l’histoire touchante et atypique » que raconte le film, notamment. Julie Esparbes, qui a trouvé « trop beau de recevoir ce prix de leur part, eux qui ont l’âge de Dalva », le personnage au centre du film.

Le Jury Émile Cantillon, composé de cinq jeunes étudiants en cinéma a ensuite décerné ses quatre prix.
Le Prix « Le Pari d’Agnès », Prix de l’imaginaire égalitaire décerné à l’autrice ou à l’auteur dont le premier long métrage témoigne d’un regard original et novateur, a récompensé Le Sixième enfant, de Léopold Legrand.
Le Prix de la Meilleure interprétation a ensuite été remis à un film « porté par son casting » à la jeune Française Fanta Guirassy, qui interprète le personnage de Samia dans Dalva. Signalons qu’il s’agissait là de sa première apparition à l’écran.

Fanta Guirassy, Prix de la Meilleure interprétation de la Compétition 1ère Œuvre pour Dalva, de Emmanuelle Nicot, et la productrice du film, Julie Esparbes
© Nicolas Simoens

Le Jury Emile Cantillon a alors décerné une Mention Spéciale à Ashkal, de Youssef Chebbi.
Dalva a par la suite de nouveau été récompensé, du Prix Découverte cette fois. Un prix remis à la productrice du film Julie Esparbes, pour qui « revenir à Namur est une belle histoire » et « travailler avec Emmanuelle (Nicot) est déjà un super cadeau ».
Enfin, le Bayard de la Meilleure 1ère Œuvre a récompensé les qualités du film Le Marchand de sable, du Français Steve Achiepo, qui s’est dit « très touché par ce Prix ».

Steve Achiepo, réalisateur du film Le Marchand de sable, Bayard de la Meilleure 1ère Œuvre
© Nicolas Simoens

Les Prix de la Compétition Officielle Longs Métrages

Place enfin, pour clôturer cette soirée, à l’annonce du palmarès de la Compétition Officielle Longs Métrages.

Le jury présidé par la productrice belge Annabella Nezri a d’abord remis le Prix Agnès, Prix de l’imaginaire égalitaire décerné à l’autrice dont l’œuvre témoigne d’un regard original et novateur, à Annie Colère, de la Française Blandine Lenoir, « une personne magnifique », d’après le représentant du distributeur belge du film : Cinéart.
Le Bayard de la Meilleure photographie est venu récompenser le travail de Julien Poupard sur le film Les Amandiers, de Valeria Bruni Tedeschi.
Quant au Bayard de la Meilleure Interprétation, c’est Iulian Postelnicu qui l’a obtenu, pour son « interprétation sensible et haute en couleurs en anti-héros attachant » dans Des Gens bien (Oameni De Treabă) du Roumain Paul Negoescu.
Le Bayard du Meilleur scénario a lui été décerné à Louis Garrel, Tanguy Viel et Naïla Guiguet pour l’écriture du film du premier nommé : L’Innocent, distribué en Belgique par Cinéart dès ce mercredi 12 octobre. Notamment pour « ses rebondissements qui mènent du rire aux larmes ».

Le Jury de la Compétition Officielle Longs Métrages a ensuite remis une Mention Spéciale au film Des Gens bien.
Le Bayard Spécial du Jury a été remis à Cédric Ido pour La Gravité, un film qui, d’après lui, « parle des talents inexploités ».

Dernier Prix à remis vendredi dernier : le très attendu Bayard d’Or du Meilleur Film. Et c’est Sous les figues, d’Erige Sehiri, qui a reçu la récompense suprême du FIFF, elle qui, lors de son discours de remerciement, a précisé être venue présenter à Namur ce qu’elle a voulu être « une ode à la vie ».

Erige Sehiri, réalisatrice du Bayard d’Or du Meilleur Film : Sous les figues
© Nicolas Simoens

Le palmarès des Courts Métrages

Quant au palmarès de la Compétition Officielle Courts Métrages, c’est le dimanche 2 octobre qu’il avait été dévoilé.

Le jury présidé par le réalisateur belge Xavier Seron avait décerné le Bayard du Meilleur Court Métrage à Arbres, du Belge Jean-Benoît Ugeux.

En tout, sept autres Prix et Mentions ont été remis.
– Prix du Jury – Coup de cœur international
To Vancouver, d’Artemis Anastasiadou
– Prix du Jury – Coup de cœur belge
Jeune Premier, de Constance Piketty
– Mention – Coup de cœur belge
Les Silencieux, de Basile Vuillemin
– Prix de la Mise en scène
L’Attente, de Alice Douard
– Prix de la Meilleure photographie
Dino Franco Berguglia pour son travail sur Fairplay de Zoel Aeshbacher
– Prix de la Meilleure interprétation
Eliane Umuhire, dans Bazigaga de Jo ingabire Moys
– Mention Spéciale pour l’interprétation
Julien Gaspard Olivieri dans L’Attente d’Alice Douard

C’est ce jour-là aussi qu’avaient été décernés les Prix OFF Courts Métrages du 37e FIFF, soit cinq Prix :
– Prix RTBF-La Trois
Bazigaga, de Jo Ingabire Moys
– Prix BeTv
Les Silencieux, de Basile Vuillemin
– Prix de l’Université de Namur
Notes sur la mémoire et l’oubli, d’Amélie Hardy
– Prix Marion Hänsel
Les Silencieux, de Basile Vuillemin
– Prix du Short Film
Jean-Benoît Ugeux pour Arbres
Constance Pikkety pour Jeune Premier
Quentin Moll Van Roy pour Yser
Amélie Hardy pour Notes sur la mémoire et l’oubli

Rendez-vous l’an prochain à Namur, du 29 septembre au 6 octobre 2023, pour la 38e édition du FIFF !
© Nicolas Simoens

Jean-Philippe Thiriart

Namur, capitale du cinéma francophone, dès aujourd’hui avec le FIFF !

Namur, capitale du cinéma francophone, dès aujourd’hui avec le FIFF ! 1200 1500 Jean-Philippe Thiriart

Dès aujourd’hui, vendredi 30 septembre et jusqu’au vendredi suivant, le 7 octobre, le Festival International du Film Francophone de Namur (FIFF) fera de Namur, capitale de la Wallonie, celle du cinéma francophone. Huit jours durant, un objectif principal : « Partager le cinéma. En vrai. En grand. » Faire découvrir des œuvres issues de la Francophonie, donc, mais aussi éduquer à l’image et favoriser la création.

Le Festival s’ouvrira ce soir avec la projection de L’Innocent, de Louis Garrel. Ce dernier porte sur le film une double casquette : celle de réalisateur, donc, mais aussi celle d’acteur. Comédie portée par Anouk Grinberg, Noémie Merlant et l’excellent Roshdy Zem, L’Innocent sera précédé du court métrage La Débandade, de Fanny Dussart.
Le FIFF se clôturera une semaine plus tard avec la Cérémonie de remise des Bayard et autres Prix du Festival de Namur. Et la présentation de Pour la France, drame de Rachid Hami, qui sera précédée de celle du court métrage Les Enfants de bohème, de Judith Chemla.
Cela en présence des équipes de films, comme ce sera à nouveau le cas de nombreux films présentés cette année à Namur.

L’Innocent, de Louis Garrel, film d’ouverture de ce FIFF 2022

Si l’envie de se divertir et de s’évader sera toujours bien présente dans la cité mosane, une vraie volonté de remettre les spectatrices et les spectateurs au centre de l’attention anime les organisateurs du Festival !
Différentes compétitions leur donneront à voir des films fort variés, notamment :
– la Compétition Officielle Longs métrages, mettant en lumière la diversité des métiers du cinéma,
– la Compétition 1ère Œuvre, et
– la Compétition Courts métrages, avec pas moins de cinq séances de courts métrages belges et internationaux. Cette compétition se déroulera lors d’un Week-End du Court qui sera aussi l’occasion d’assister, pour les 6-12 ans et leurs parents, à une séance « Cinéma Parents (exceptionnellement !) admis ».

Le Pharaon, le Sauvage et la Princesse, de Michel Ocelot, sera projeté ce dimanche 2 octobre à Namur

« Les Pépites », films présentés en exclusivité dans la cité mosane, « Place au doc belge » ou cinq œuvres documentaires issus de notre cinématographie nationale, séance en audiodescription…, si un thème devait se dégager cette année, ce serait, d’après les programmateurs, la parentalité. Et, partant, la fratrie et la sororité.

Retour bien sûr cette année du FIFF Campus, qui emmènera dans les salles obscures namuroises près de 7500 jeunes âgés de 3 à 21 ans.
Ateliers techniques et citoyens, réflexion autour de l’image, décodage de cette dernière…, ce volet majeur du Festival sera parrainé par le réalisateur Michel Ocelot, maître français de l’animation.

Le programme de cette 37e édition du Festival de Namur s’annonce donc alléchant dans les salles obscures. Mais aussi en dehors de celles-ci, avec le FIFF Off, dont la plupart des activités seront gratuites !
Au menu entre autres, cette fois :
– rencontres quotidiennes avec des invités du Festival (les jurys Longs métrages et Courts métrages, François Berléand, Michel Ocelot, etc.),
– animations,
– concerts et DJ Sets chaque soir à La Nef : le nouveau lieu du FIFF qui verra Namur vibrer au rythme du Festival,
– activités en famille et entre ami(e)s (découverte de lieux de tournage et de leurs secrets, ateliers maquillage effets spéciaux, etc.),
– visites de Namur estampillées « FIFF », dont « Secrets de tournage », et
– Jazz Night : un Chaplin accompagné en musique live !

François Berléand viendra à la rencontre du public namurois

Auront lieu également des décentralisations à Bruxelles, Moustier, Charleroi et Mons.
Plus d’infos : fiff.be

Excellent Festival à toutes et à tous !

Jean-Philippe Thiriart

Le Festival du Film Coréen fête ses 10 ans avec… 10 places à gagner !

Le Festival du Film Coréen fête ses 10 ans avec… 10 places à gagner ! 1754 1240 Jean-Philippe Thiriart

Dès ce jeudi 29 septembre et jusqu’au vendredi 7 octobre, le Festival du Film Coréen sera de retour à Bruxelles pour une dixième édition. En partenariat avec le Centre Culturel Coréen de Bruxelles, En Cinémascope vous fait gagner 10 places pour celui-ci : 4 pour le film d’Ouverture à BOZAR – Miracle : Letters to the President – et 6 pour le thriller teinté de mystère The Truth Beneath ! Vous trouverez tous les détails de ce concours Facebook exclusif ci-dessous.

Le thème de l’édition de cette année, « Remembering the future » (« Se souvenir du futur ») sera l’occasion pour les festivaliers de jeter un regard sur dix ans de cinéma coréen.

En tout, ce sont 18 films classiques et inédits qui seront projetés à BOZAR et au cinéma Galeries. Voilà pour la Belgique. Un mois plus tard, c’est dans la ville de Luxembourg que le Festival se dirigera, le jeudi 27 octobre au Ciné Utopia et le vendredi 28 octobre à la Cinémathèque de Luxembourg.

Cette édition anniversaire du Festival s’articulera autour de trois sections : « Korean Film Today », « Music on Screen » et « 10 Years Legacy », sélection de films axée autour du 10e anniversaire. Deux invitées de marque rehausseront le Festival de leur présence : les réalisatrices HONG Sung-eun (Aloners) et BYUN Gyu-ri (Coming to You). Elles se prêteront ainsi au jeu des questions-réponses après la projection de leur film respectif.

Trois sections

Korean Film Today

Retour, ici, sur des films qui ont retenu l’attention du public coréen en 2021. Deux films primés au Festival de Cannes, de nouvelles sorties qui ont attiré les Coréens vers leurs salles de cinéma : la machine est relancée après deux années COVIDées. Seront projetés le thriller Anchor, le film indépendant Aloners et le documentaire Coming to You, trois films réalisés par des femmes, ce qui mérite d’être souligné. Sans oublier Decision to Leave, de PARK Chan-wook, Prix du Meilleur réalisateur au dernier Festival de Cannes !

Music on Screen

Cette section donnera aux festivaliers l’occasion d’en savoir plus sur la musique et la société coréennes. Deux documentaires sont ainsi programmés – Song of the Poet et K-Classics Generation -, qui permettront d’approcher la société coréenne via sa scène musicale folklorique et classique. Enfin, sera également projeté dans le cadre de « Music on Screen » le film Kokdu: A Story of Guardian Angels, à mi-chemin entre la musique traditionnelle coréenne et le cinéma.

Focus spécial : 10 Years Legacy

Cette fois, ce sont des films inédits qui seront mis en lumière, parmi lesquels A Hard Day, de KIM Seong-hun, un des réalisateurs de la série Netflix à succès Kingdom, mais aussi de quantité de films d’action et de thrillers de qualité. Rayon drames, il convient de pointer ici Another Child, premier passage derrière la caméra du célèbre acteur KIM Yoon-seok.

Notre concours Facebook exclusif

En Cinémascope, en partenariat avec le Centre Culturel Coréen de Bruxelles, que nous remercions chaleureusement, propose à trois gagnants de remporter, pour les deux premiers, quatre places de cinéma et, pour le troisième, deux places. Les deux premiers seront ainsi invités à assister, avec la personne de leur choix, à l’Ouverture du Festival à BOZAR avec la projection de Miracle: Letters to the President, ainsi qu’à la projection du film The Truth Beneath au cinéma Galeries. Quant au troisième gagnant ou à la troisième gagnante, ce sont deux places pour The Truth Beneath qu’il ou elle remportera.

Pour participer et tenter de remporter quatre ou deux de ces dix séances, rien de plus simple :
1) Aimez la page Facebook de « En Cinémascope »,
2) Identifiez l’ami(e) qui vous accompagnera en commentaire, et
3) Aimez et partagez cette publication Facebook en mode public.

Début du concours : aujourd’hui, lundi 26 septembre, à 8h.
Fin du concours : le mercredi 28 septembre à 14h.
Tirage au sort, puis annonce des résultats : le mercredi 28 septembre à 17h.

Miracle: Letters to the President, de LEE Jang-hoon, sera projeté le jeudi 29 septembre à 19h30 à BOZAR.
Le film The Truth Beneath, de LEE Kyoung-mi, sera, quant à lui, diffusé le lendemain, vendredi 30 septembre, à 21h30, au cinéma Galeries.

Bonne chance, déjà, à toutes et à tous !

Plus d’infos sur le site du Festival.

Excellent Festival !

Jean-Philippe Thiriart

En Cinémascope a 10 ans : ils nous et vous souhaitent un bon anniversaire !

En Cinémascope a 10 ans : ils nous et vous souhaitent un bon anniversaire ! 1920 1080 Jean-Philippe Thiriart

En Cinémascope a dix ans. Dix ans déjà !

Une quinzaine d’actrices et d’acteurs du cinéma qui, chacune et chacun à leur manière, et pour des raisons différentes, nous tiennent à cœur, ont tenu à nous souhaiter, à vous souhaiter, un très joyeux anniversaire.

Merci à eux et merci… à vous !

Excellent anniversaire à celles et ceux qui nous suivent depuis le début, ainsi qu’à toutes celles et ceux qui nous ont rejoint entre-temps !

Jean-Philippe Thiriart et toute l’équipe de En Cinémascope

Captation : Mazin Mhamad, Sem Diamant et Nick Hayman
Montage : Gerardo Marra

Le 40e BIFFF a vécu : retour sur le palmarès et critiques de films

Le 40e BIFFF a vécu : retour sur le palmarès et critiques de films 1535 826 Jean-Philippe Thiriart

Samedi dernier prenait fin à Brussels Expo l’édition anniversaire du Festival International du Film Fantastique de Bruxelles (BIFFF). Le Festival a en effet fêté ses 40 ans, et cela de belle manière. Une fête qui a pris fin avec la projection du film de clôture – Fall (signé Scott Mann) –, précédée de l’annonce du palmarès. Un palmarès qui est venu couronner une coproduction belge, l’année-même où le festival lançait, non sans fierté, un focus belge sur le cinéma de genre. C’est la première fois depuis la naissance du BIFFF, en 1983, qu’une coprod belge remporte la récompense suprême, le Corbeau d’Or. Ce film, c’est Vesper, réalisé par Kristina Buozyte et Bruno Samper. (critique ci-dessous)

Kristina Buozyte et Bruno Samper, réalisatrice et réalisateur de Vesper
Crédit photo : Vincent Melebeck

Au sein de la Compétition internationale toujours, les Corbeaux d’Argent sont allés à Summer Scars, de Simon Rieth, et à Virus 32, de Gustavo Hernández, une Mention spéciale étant accordée à Studio 666, de BJ McDonnell (critique ci-dessous).

C’est Moloch, de Nico van den Brink, qui est sorti gagnant de la Compétition européenne, remportant le Méliès d’Argent.
Nightride, de Stephen Fingleton a été élu Meilleur thriller, quittant Bruxelles avec le Black Raven Award, une Mention spéciale étant accordée à Limbo, de Soi Cheang (critique ci-dessous)
Le White Raven Award est allé à Life of Mariko in Kabukicho, de Eiji Uchida et Shinzo Katayama, avec une Mention spéciale pour Redemption of a Rogue, de Philip Doherty (critique ci-dessous).
La Emerging Raven Competition, mettant en lice des premiers et deuxièmes longs métrages a vu l’emporter Kappei, de Takashi Hirano. Mention spéciale à Zalava, de Arsalan Amiri.
Le Prix de la Critique a été décerné à Piggy, de Carlota Pereda (critique ci-dessous), avec une Mention spéciale pour Huesera, de Michelle Garza.
Le toujours très touchant Prix du Public a été décerné au détonnant Mad Heidi, de Johannes Hartmann & Sandro Klopfstein. (critique ci-dessous)

Envie de connaître le palmarès des courts métrages ? Direction le site du Festival !

Résultats de notre concours

Avant toute chose, un tout grand MERCI à celles et ceux qui ont participé à notre concours En Cinémascope @ 40e BIFFF, organisé avec le soutien précieux du Centre Culturel Coréen de Bruxelles !
Et félicitations aux gagnant(e)s de celui-ci : Muriel Adamski, Christine Demaerschalck, Cédric Gabriel, Patrick Laseur et Vincent Meulemans !
Elles et ils ont chacun(e) remporté un pass de 6 séances, trois persos et trois pour la personne de leur choix pour autant de films coréens au BIFFF.

Jean-Philippe Thiriart

Critiques de différents films primés

Vesper Chronicles (Vesper), Corbeau d’Or   ★★★
Kristina Buozyte et Bruno Samper (France, Lituanie, Belgique)

De la bio science-fiction, voilà un sous-genre qui est très peu représenté au cinéma. Le film offre dès lors un vent de fraîcheur malgré le ton sombre du récit.
L’humain a saccagé la planète, la nature a repris ses droits et l’homme, pour survivre, n’a pu que s’acclimater et vivre avec elle en créant une biotechnologie organique à base de bactéries, de champignons et d’autres organismes végétaux pour alimenter machines et éclairages, mais aussi à des fins médicales, technologie dont la jeune Vesper se révèle être une génie.
Si le film dépeint un futur original et peut compter sur des acteurs et actrices convaincants, il bénéficie aussi d’une excellente direction artistique, tantôt belle et envoûtante, tantôt sale et aussi organique qu’un film de David Cronenberg, en lien direct avec les enjeux du récit, centrés autour de la recherche biologique et des expérimentations génétiques.
On pourra s’étonner de la violence de certains passages, parfois crus, et d’un ton ambiant nihiliste, le film étant vendu comme une fiction grand public. Il reste cependant facile d’accès.
Malgré quelques petites baisses de rythme et certaines longueurs, cette coproduction européenne offre un film de science-fiction original, avec un univers crédible et des effets qui tiennent la route.
Une belle surprise !
Ruben Valcke

Studio 666, Mention spéciale de la Compétition internationale    ★★
BJ McDonnell (États-Unis)

Généreux, c’est l’adjectif qui vient immédiatement à l’esprit pour qualifier le film !
Musique rock, métal et occultisme peuvent se marier parfaitement dans un film d’horreur et plus encore dans une comédie horrifique.
Les six musiciens du groupe Foo Fighters, ici dans leurs propres rôles, s’amusent et s’en donnent à cœur joie !
N’étant pas des acteurs professionnels, leurs prestations ne sont pas souvent à la hauteur. Mais qu’importe : le film est fun, avec beaucoup de second degré, de scènes très graphiques et une abondance de gore.
Porté par le chanteur Dave Grohl, le film transpire d’un amour sincère pour le genre. Grâce à sa réalisation maîtrisée, le film évite un aspect nanar et nous offre une grosse série B délirante de qualité.
Pas certain qu’il fonctionne aussi bien s’il est regardé seul, mais en festival ou en soirée pizza-bière entre amis, c’est le film horrifiquement fun parfait !
R.V.

Limbo, Mention spéciale de la Black Raven Competition   ★★★★
Soi Cheang (Hong Kong, Chine)

Une photographie à tomber, des images sublimes et des décors incroyables pour représenter un Hong Kong insalubre et malsain comme nous ne l’avions jamais vu auparavant !
Le titre du film reflète bien l’ambiance sombre et âpre du métrage tant nous avons l’impression, dans toute cette crasse et ces monticules de déchets, d’évoluer dans les limbes aux abords de l’enfer. Le noir et blanc très contrasté du film renforce le sentiment de mal-être et d’oppression de la ville, une noirceur devenue plutôt rare dans le cinéma contemporain. Le réalisateur choisit de renouer avec l’époque du cinéma HK dans ce qu’il offrait de plus sombre et violent mais avec, ici, une plastique absolument magnifique.
L’histoire d’un duo de policiers à la recherche d’un tueur en série peut paraître classique mais avec sa réalisation impeccable, un visuel d’exception et ses sous-intrigues fortes, le film se démarque radicalement des autres productions.
Plus qu’un film noir, c’est une perle noire, un chef-d’œuvre de ce genre de cinéma.
R.V.

Redemption of a Rogue, Mention spéciale de la White Raven Competition   ★★
Philip Doherty (Irlande)

Après sept ans, Jimmy Cullen revient dans son village natal pour faire la paix avec son entourage avant de se suicider. Mais la tâche sera ardue puisque tout le monde lui en veut. Son frère ne lui pardonne pas de l’avoir laissé seul s’occuper de leur père mourant. Ce dernier, qui a toujours eu la main lourde avec ses enfants, a toujours une dent contre Jimmy pour une histoire d’harmonica volé. Et son ex ne le supporte plus depuis un accident qui l’a laissée en chaise roulante. Ajoutez à cela la rancune de tout le patelin, qui a toujours en travers de la gorge un match de foot perdu à cause de lui et vous avez le tableau peu réjouissant de la situation. Et pour couronner le tout, le fameux paternel passe l’arme à gauche et devra être enterré selon ses dernières volontés.
Sur fond de pluie irlandaise, de dépression profonde et de symbolique christique, Redemption of a Rogue vaut le détour par son traitement cynique et un humour noir dont fait preuve son anti-héros, sorte de figure messianique contemporaine totalement perdue. Le tout sur fond de BO folk blues délicieuse évoquant parfois certaines fins d’épisodes de la dernière saison de Twin Peaks. On lui pardonnera donc son côté un peu trop inoffensif pour profiter du bon moment qu’il offre.
Guillaume Triplet

Piggy, Prix de la Critique    ★★★
Carlota Pereda (Espagne)

Sara est une jeune fille tout en rondeur qui est la cible de harcèlement et de moqueries de la part des jeunes de son village. Après l’insulte de trop, elle ne va pas se venger mais bien être vengée à son insu.
Sorte de rape-and-revenge détourné, Piggy aura été un coup de cœur de cette 40e édition du BIFFF, qui réunit aussi bien des éléments de films cultes comme I Spit on Your Grave que de Massacre à la Tronçonneuse mais sans jamais en être une simple resucée. Ces influences sont digérées pour servir une œuvre qui ne connait pas l’ennui. Basé sur un court métrage de 2017, présenté d’ailleurs au BIFFF en son temps, Piggy regroupe les ingrédients essentiels et nécessaires et parvient même, par moments, à prendre le spectateur à contre-pied en créant la surprise. Une ode à la tolérance et à l’acceptation sur fond de boucherie totalement maîtrisée et hautement recommandable. Une belle leçon à plusieurs niveaux.
G.T.

Piggy, de Carlota Pereda

Mad Heidi, Prix du Public
Johannes Hartmann et Sandro Klopfstein (Suisse)

★★★
Dans une époque inconnue, les Helvètes sont sous le joug d’une dictature extrémiste du fromage menée par un président dont la tenue favorite est le bon vieux training et les claquettes-chaussettes, qui a décidé de purger la nation de tous les intolérants au lactose. Si Heidi semble assez protégée dans ses alpages, sa capture et l’exécution de son amour de chevrier (arrêté pour trafic illégal de tome) auront vite fait de transformer la jeune fille en vengeresse sanguinaire prête à tout pour redonner à la « matrie » sa grandeur perdue.
Avant-première mondiale et résultat d’un incroyable crowdfunding, Mad Heidi se présente comme le premier film de la « swissploitation ». Pur hommage Grindhouse au cinéma des années 70, Mad Heidi est une belle folie portée à l’écran par une mise en scène et un montage jamais à court d’idées. Un film contemporain qui ne renie pas le passé. Humour parfois lourd mais bien amené, gore outrancier, personnages ultra caricaturaux, scènes de torture à la fondue et au Toblerone, split screens, références subtiles… le film salue le cinéma d’exploitation d’antan tout en surfant sur des thématiques modernes. De l’action et du fun au doux parfum d’emmental. Assez brillant dans le genre.
G.T.

★★
Un nouveau genre de film d’exploitation est né : la swissploitation !
Né d’un crowdfunding réunissant plus de 40 000 investisseurs fans de cinéma de genre, cette proposition déjantée fait irrémédiablement penser au film Iron Sky, le côté grosse série B encore plus assumé.
L’action se déroule dans une Suisse totalitaire inspirée du nazisme. Mais ici, le dictateur, campé par un Casper Van Dien qui s’amuse apparemment beaucoup dans ce rôle, est obnubilé par les produits laitiers qui font la fierté de son pays.
Les intolérants au lactose n’ont qu’à bien se tenir, tout comme ceux qui s’opposent à la conquête mondiale du fromage suisse.
Le métrage est un vrai film d’exploitation dans ce qu’il a de plus outrancier, dans la pure veine des productions post-Grindhouse de Tarantino et Rodriguez. Il réussit là où beaucoup d’autres ont échoué : c’est un bon film fun, certes, mais qui tient diablement la route.
La première mondiale de Mad Heidi au BIFFF, film drôle, gore et délirant, a fait grandement réagir une salle bien remplie, avec dégustation de fromages et animations tout en costumes à la clé.
R.V.

Nos autres critiques

Vous retrouverez, ci-dessous, par ordre alphabétique, nos critiques d’autres films découverts au BIFFF cette année.

Don’t Come Back Alive   ★
Néstor Sánchez Sotelo (Argentine)

Lors d’une opération spéciale de police dans des quartiers mal famés, la jeune Camilla se voit prise au piège de ce qui s’apparente à une secte dont les membres ont décidé de s’immoler autour d’elle. Sauvée de justesse des flammes, la policière est sévèrement brûlée et séjourne plusieurs mois à l’hôpital avant d’être prise en charge par Fatima, son amie procureure qui, elle, doit faire face à une série de meurtres particulièrement sordides. Pourrait-il y avoir un lien entre ceux-ci et ce qui est arrivé à Camilla ?
À la croisée des chemins entre le film de possession et le thriller fantastique, Don’t Come Back Alive est le genre de film dont le pitch est intéressant sur papier mais qui se voit sabordé par une mise en forme manquant de méthode au point d’en faire parfois un objet risible. Dommage d’ailleurs puisque l’entrée en matière laissait augurer du bon et ce, malgré des moyens modestes. Mais un mauvais jeu d’acteurs, des répliques parfois à la limite du ridicule, des zones d’ombre dans le scénario et un amoncellement de clichés ont vite fait de plomber un métrage qui aurait peut-être pu tirer son épingle du jeu.
G.T.

Hinterland   ★★★
Stefan Ruzowirzky (Autriche, Luxembourg)

Impossible de manquer ce film attendu qui avait déjà fait parler de lui au Festival de Locarno ! Sur le site du Heysel, la salle Ciné 1 du BIFFF est grande. Ça tombe bien car, en cette fin d’après-midi du premier vendredi du Festival, les amateurs de frissons sont venus en nombre, prêts à vibrer durant près de deux heures.
L’intrigue du thriller policier Hinterland se déroule à Vienne en 1920 après la chute de l’Empire austro-hongrois. La Première Guerre mondiale a pris fin. Prisonnier de guerre pendant plusieurs années, l’ancien détective Peter Perg (Murathan Muslu) est rentré chez lui. Il est amené à travailler avec la médecin légiste Theresa Körner (Liv Lisa Fries) afin de résoudre une série de meurtres.
L’ambiance de ce film se situe à mi-chemin entre le noir et blanc des premiers films d’épouvante du siècle passé et les grands films historiques de notre époque. Le film étant bien entendu projeté en VO, il aura parfois fallu s’accrocher à son fauteuil pour ne pas perdre le fil de l’intrigue mais le rythme de l’enquête nous aide à ne pas décrocher. Préparez-vous à faire un bond dans le temps et pas mal d’autres dans votre siège ! Un bon policier, ça ne se refuse pas.
Raphaël Pieters

The Killer: A Girl Who Deserves To Die   ★
Jae-hoon Choi (Corée du Sud)

Que ça soit en termes d’écriture ou de découpage, le film fait beaucoup penser à la formule du téléfilm, ce qui surprend au vu du sujet traité. En revanche, dans sa deuxième moitié, il devient bien plus cinématographique et la mise en scène, bien plus ambitieuse.
Le scénario est très classique et repose sur la badass attitude de son personnage central. La figure du protagoniste quasi invincible est fort exploitée dans le cinéma sud-coréen et ce film s’inscrit dans cette tendance. L’influence de John Wick est très présente, surtout dans les scènes de combats et dans la représentation des gunfights : le héros est trop intouchable que pour être réellement crédible.
Toutefois, si le spectateur recherche juste de l’action avec un protagoniste impressionnant par ses talents au combat, il trouvera dans The Killer une chouette récréation.
R.V.

Logger   ★
Steffen Geypens (Belgique)

On ne se perd pas trop dans ce film puisque l’intrigue commence directement au beau milieu d’une forêt de feuillus comparable à toutes celles de notre plat pays. Cependant, très rapidement, l’ambiance change lorsque notre ami bûcheron (Pieter Piron) y découvre un corps mutilé. Très vite, cette macabre découverte le plonge dans un état second dans lequel rêves et réalités se confondent.
Le film cherche-t-il à nous perdre dans les bois ? Difficile à dire mais on a tendance à se perdre dans cette intrigue où cauchemars et réalité s’entrechoquent jusqu’à nous en donner la nausée. Mais n’est-ce finalement pas cela, la meilleure arme des films d’horreur à petits budgets : nous perdre dans un bois et nous y abandonner pour nous donner ensuite envie de foncer aux toilettes du BIFFF dans le but d’y laisser un peu prématurément le sandwich à l’américain ingurgité à midi ? Si oui, alors ce film aura réussi à nous faire voyager !
R.P.

Next Door   ☆
Ji-ho Yeom (Corée du Sud)

Après une soirée un peu trop arrosée, un pseudo étudiant trentenaire qui en est à sa cinquième tentative pour intégrer la police se réveille chez sa voisine avec un cadavre au pied du lit. Bon courage pour recoller les morceaux !
Tourné en huis clos, Next Door est laborieux dès le départ et n’ira pas en s’améliorant au cours de l’heure et demie de film, qui paraît une éternité. La faute à un personnage peu attachant, à des situations pseudo-drôles qui ne le sont en fait pas et à une histoire qui accumule les incohérences voire les aberrations. Des passages beaucoup trop tirés en longueur, un manque de rythme certain et des situations dont l’explication se cherche encore auront aussi eu raison de nous.
G.T.

Night at the Eagle Inn   ★
Erik Bloomquist (États-Unis)

Deux jumeaux, Sarah, dépressive et prise de visions, et Spencer, branché sur le paranormal, décident de repartir sur les lieux où, en 1994, leur mère mourut en les mettant au monde et leur père disparu mystérieusement, afin de percer le secret de ce qui a bien pu se passer. L’endroit en question : un hôtel reculé, coupé de tout, tenu par un gérant pour le moins intrigant et entretenu par un jeune éphèbe mystérieux. Point n’est besoin de vous dire que tout ne va pas se passer comme prévu et que ces jeunes gens seront vite pris dans un engrenage infernal.
Dès le départ, l’une des influences principales du film saute aux yeux. En effet, il ne serait pas étonnant qu’Erik Bloomquist compte Shining parmi ses films de chevet tant les clins d’œil fusent autant dans la recherche d’ambiance que dans certains éléments du décor. Mais ne dépasse pas le maître Kubrick qui veut et Night at the Eagle Inn pèche par un traitement un peu trop plat et par un manque d’idées. Ainsi, les effets de peur tombent à l’eau et l’absence de consistance des personnages manque de servir le propos. Flop néanmoins divertissant… mais flop tout de même dont les 70 minutes sont amplement suffisantes.
G.T.

La Pietà   ☆
Eduardo Casanova (Espagne, Argentine)

On nous avait vendu du rêve, on n’a même pas fait de cauchemar après ce film hispano-argentin aussitôt vu, aussitôt oublié.
Mateo aime le rose et sa mère Libertad. Mais un jour, dans ce monde à deux voix, on annonce à Mateo qu’il souffre d’un cancer. Voilà pour le point de départ du film.
L’actrice Ángela Molina et ses 46 ans de carrière sont sans doute la seule attraction de ce film qui se perd entre l’épouvante et la tragi-comédie. La salle ne s’y trompe pas et les réactions ne se font pas trop attendre : « hou ! », lance un groupe d’amis habitués à reconnaitre les navets interminables parfois diffusés aux BIFFF. Mais tout au long du film, on essaie d’oublier de regarder sa montre en rigolant de l’absurdité des situations rencontrées par le personnage interprété par Manel Llunell. On ne sait d’ailleurs pas trop de quels maux il souffre. Plutôt qu’un film d’épouvante, La Pietà est une tragi-comédie. Vous l’aurez compris, on ne vous recommande pas ce film.
R.P.

Scare Package   ★
Emily Hagins, Chris McInroy, Noah Segan, Courtney & Hillary Andujar, Anthony Cousins, Baron Vaughn et Aaron B. Koontz (États-Unis)

Film à sketches présentant différentes comédies horrifiques regroupant un maximum de codes et de clichés des films d’horreur des années 80, Scare Package joue avec lesdits codes pour donner lieu à une série de situations humoristiques. Mais il ne s’agit pas pour autant d’une parodie, les réalisatrices et réalisateurs faisant preuve d’un réel respect du genre horrifique sous toutes ses formes, n’hésitant pas à faire couler le sang et à présenter des blessures plus terribles les unes que les autres. En témoigne, notamment, un sketch proposant un gore qui, s’il est outrancier, n’en n’est pas moins totalement ridicule, cela afin de faire rire les spectateurs.
Le très gros second degré du film rend les nombreuses touches d’humour plutôt efficaces. Si toutes les blagues ne feront pas mouche, étant sans doute un peu trop forcées, le gore potache reste un artifice comique qui a fait ses preuves et Scare Package en use sans vergogne.
Comme dans la plupart des films à sketches, surtout ceux qui proposent beaucoup d’épisodes, il y a dans Scare Package un souci d’équilibrage et de rythme, le film paraissant un peu trop long et certains sketches étant de moindre qualité. Les transitions entre les sketches et la trame principale sont elles aussi problématiques. Si le film justifie, au début, l’intégration des différentes histoires, bien vite, les transitions deviennent abruptes et sans réel sens. Dommage !
R.V.

Scare Package 2: Rad Chad’s Revenge   ★★
Aaron B. Koontz, Alexandra Baretto, Anthony Cousins, Jed Shepherd et Rachele Wiggins (États-Unis)

Suite directe du premier du nom, Scare Package 2 voit cette fois-ci ses sketchs emprunter les codes et les clichés des films d’horreur des années 90 et début 2000. L’histoire principale qui y est narrée fait revenir plusieurs personnages du film précédent et constitue un fabuleux pastiche de la saga Saw, ne manquant pas de jouer avec le ridicule et les incohérences de la saga.
Mieux rythmé, constitué d’un peu moins de sketches et proposant une histoire centrale qui n’est plus juste un morceau de comédie mais un segment de comédie horrifique bien plus passionnant à suivre, le film est meilleur que son prédécesseur, plus malin aussi, donnant à voir bon nombre de situations méta très sympas.
Avec, une fois encore, une myriade de références à la culture cinématographique horrifique et à bon nombre de codes non encore exploités par le film précédent, ce diptyque en devient un très gros best of de tout ce qui a pu se faire et se répéter pendant près de trois décennies.
R.V.

Sinkhole
Ji-hoon Kim (Corée du Sud)

★★★
Après plusieurs années à économiser, une famille modeste devient enfin propriétaire d’un appartement dans un quartier de Séoul. Le bonheur ne sera que de courte durée puisque des failles apparaissent dans le bâtiment, et amèneront celui-ci à être aspiré dans un trou gigantesque laissant les habitants croupir à plusieurs centaines de mètres de profondeur.
Mêlant à la fois comédie, satire sociale, drame et film catastrophe, Sinkhole est une réussite du genre et met à nouveau en lumière le talent de la Corée du Sud. Doté d’une excellente maîtrise de la réalisation mais aussi et surtout d’une collection d’idées scénaristiques parfois bluffantes amenant un véritable rythme, le cinquième long-métrage de Ji-hoon Kim coche pas mal de bonnes cases. Neuf ans après The Tower (dont le principe était, à peu de choses près, celui de La Tour infernale), le réalisateur revient avec un film dans lequel le traitement des personnages mais aussi des décors est bougrement intelligent. On rit, on pleure, on en prend plein la vue : un régal !
G.T.

★★
Peut-être bien le tout premier film qui mélange les genres catastrophe et comédie (hors films parodiques), deux genres qui semblent aux antipodes tant le film catastrophe repose sur le dramatique. Sinkhole fonctionne pourtant plutôt bien, le réalisateur laissant par moments l’humour de côté pour se concentrer sur les émotions et pour insuffler de la tension au film.
Le cinéma sud-coréen n’hésite souvent pas à en faire un peu trop dans la mise en scène. C’est le cas ici et quand il s’agit de représenter un immeuble entier s’enfonçant dans un gouffre de plusieurs centaines de mètres, c’est visuellement aussi impressionnant qu’irréel. Mais c’est, ici, traité si sérieusement que nous ne pouvons qu’être convaincus.
L’histoire suit les canons d’écriture du film catastrophe et de survie mais, par son mélange radical de styles, le film en devient fort original, le ton « comédie » du début de Sinkhole permettant un bel attachement du spectateur aux personnages du film.
À découvrir assurément !
R.V.

Wyrmwood: Apocalypse   ★
Kiah Roache-Turner (Australie)

Beaucoup plus de budget, sans doute de bien meilleures caméras et des plans plus léchés : tout dans cette suite sent la qualité supérieure, mais, malheureusement, au détriment de l’inventivité et de l’énergie qui constituaient la patte du premier film : Wyrmwood: Road of the Dead.
Un scénario qui montre comment, plusieurs mois après l’infection, les habitants des campagnes australiennes se sont organisés, en particulier les équipes militaires et scientifiques qu’on avait déjà pu voir à l’œuvre dans le film précédent.
Malgré l’upgrade visuel, le film paraît moins fou, moins original, même s’il se permet quelques bons délires comme un cyber-zombie au look très réussi.
Wyrmwood: Apocalypse reste un film à budget très modeste et le réalisateur a l’intelligence de ne se concentrer que sur l’essentiel.
Un bon film de zombies, qui n’hésite pas sur le sanguinolent, mais déçoit un peu quand on a donc, en mémoire, Wyrmwood: Road of the Dead.
R.V.

Nos cotes :
☆              Stérile
★              Optionnel
★★          Convaincant
★★★       Remarquable
★★★★    Impératif

Crédit photo : Vincent Melebeck

Bon annif le BIFFF : 40 ans… et 30 séances à gagner !

Bon annif le BIFFF : 40 ans… et 30 séances à gagner ! 1497 1058 Jean-Philippe Thiriart

It’s back ! En vrai. En chairs. Et puis en os, aussi. Forcément !
Après une édition 2020 annulée suite à un foutu virus et une édition 2021 online only, COVID oblige, toujours, le Festival International du Film Fantastique de Bruxelles (BIFFF) est de retour avec une édition comme avant. Une édition anniversaire, même : la 40e !

Une bonne nouvelle ne venant jamais seule, En Cinémascope vous propose cette année un concours Facebook exclusif permettant de remporter pas moins de 30 séances de cinéma au BIFFF !
Soit cinq pass de six séances – trois séances pour chaque gagnant(e) et une séance pour les trois personnes de son choix.
Rendez-vous en fin d’article pour tout savoir sur ce concours !

Une édition du BIFFF comme avant… ou presque puisque, pour la première fois, le Festival quitte le centre de Bruxelles, après de nombreuses années au Passage 44, puis à Tour & Taxis et, enfin, à Bozar, où le Festival avait pris ses quartiers voici bientôt dix ans. Cette année, direction le Palais 10 de Brussels Expo avec, le lundi 29 août, la projection, en ouverture du Festival, de Vesper Chronicles, de la Lituanienne Kristina Buožytė et du Français Bruno Samper. Le Festival durera une nouvelle fois 13 jours, se clôturant ainsi le samedi 10 septembre, avec la proclamation du palmarès de cette 40e cuvée et la diffusion de ce qu’on nous promet être un huis-clos en plein air : Fall, du Britannique Scott Mann.

Le BIFFF 2022, ce sera, outre une centaine de longs métrages, pas moins de 82 courts, répartis en cinq sections : les compétitions belge, européenne, « Eat My shorts », « They’re the future » (sept films d’étudiants) et « Re-animated », diversité – de genres et de sensibilités – étant le maître-mot de cette programmation.

Les organisateurs du BIFFF voulant faire de cette édition anniversaire une vraie fête où chacune et chacun trouveront leur bonheur, leur sélection sera fun à coup sûr.

Place cette année, à « The Belgian Wave », un focus belge qui donnera à voir 15 films issus de la cinématographie du plat pays qui est le nôtre, parmi lesquels Megalomaniac de Karim Ouelhaj (Grand Prix à Fantasia), Ritual de Hans Herbots ou encore Freaks Out de Gabriele Mainetti.
Rayon séances spéciales : le Bloody date – double bill parfait pour les amoureux composé de You Lie You Die de Hector Claramunt et Have.Hold.Take de DJ Hamilton.

Nos chères têtes blondes ne seront pas en reste puisque lors du Family Day du dimanche 4 septembre, elles pourront découvrir pas mal d’activités, ainsi que les films Petit Vampire, Dragon Princess, The Ghastly Brothers, et Nelly Rapp: Monster Agent.

Les 18-25 ans étant fortement impactés par la crise sanitaire actuelle, le BIFFF a pensé à elles et à eux. Sous réserve de places disponibles, l’ensemble des séances programmées le lundi 5 septembre leur seront en effet offertes !
Ce soir-là, les festivalières et les festivaliers pourront notamment découvrir, dans des conditions idéales, les deux premiers épisodes de House of the Dragon, LA prequel de Game of Thrones !

Retour, cette année, après son succès l’an dernier, de la section documentaire « Fantastic but true », qui donnera à voir cinq films parmi lesquels The Found Footage Phenomenon et American Badass (portrait de l’acteur de légende Michael Madsen).

Les deux premiers épisodes de House of the Dragon, LA prequel de Game of Thrones, seront projetés au BIFFF dans des conditions idéales

Six compétitions

Toute nouvelle, toute belle, est la « Emerging Raven competition », via laquelle le BIFFF a souhaité soutenir, un peu plus encore, les premiers et deuxièmes longs métrages. Huit films au total, dont le coréen Midnight, le français Le Visiteur du futur ou encore le suisse Mad Heidi.

La « White Raven competition », anciennement « Compétition 7e Parallèle » verra elle aussi concourir huit longs métrages, qui s’annoncent d’ores et déjà très singuliers, parmi lesquels l’américain Swallowed, le belge River ou encore l’allemand The Black Square.

Au sein de la « Black Raven competition », nouveau nom de la compétition Thriller, ce sont neuf films que le jury devra départager, notamment l’hispano-belge The Replacement, le danois The Last Client, et les coréens Tomb of the River et Special Delivery.

À l’issue de la compétition européenne, un Méliès d’Argent sera décerné au meilleur film présent dans cette sélection de films réalisés au sein de l’UE. Huit films au menu, dont Megalomaniac, du Belge Karim Ouelhaj, Piggy, de l’Espagnole Carlota Perda, ou encore Cop Secret de l’Islandais Hannes Þór Halldórsson.

La compétition internationale comprendra huit films elle aussi, parmi lesquels figureront le français Summer Scars, le forcément américain American Carnage ou encore le coréen The Witch Part 2: The Other One.

Enfin, notons qu’un Prix de la Critique sera une nouvelle fois décerné cette année.

The Witch Part 2: The Other One sera projeté en avant-première européenne au sein de la compétition internationale

Cinq master class

La première master class sera consacrée aux sorcières. Sera notamment posée la question de savoir quel est le lien entre les différentes représentations de ce personnage et la véritable figure historique.

La deuxième – « Apocalypse mon chou 2 : don’t look up » – verra posée une autre question, celle de savoir si l’écologie est ou non soluble dans notre système économique.

La troisième master class aura pour sujet la censure. Parole sera donnée à Jake West – réalisateur de Doghouse et spécialiste des Video Nasties –, Srdjan Spasojevic – réalisateur du film-choc A Serbian Film –, Xavier Gens – réalisateur de Frontière(s) – et Kamal Messaoudi, spécialiste des médias et du cinéma populaire.

Les quatrième et cinquième master class permettront quant à elles aux festivalières et aux festivaliers de rencontrer les réalisateurs cultes John McTiernan (Predator, Die Hard, etc.), le jeudi 1er septembre à 20h30 (master class suivie le lendemain de la projection de Predator), et Barry Sonnenfeld (La Famille Addams, Men in Black, etc.), le jeudi 8 septembre à 20h30. Cette cinquième et dernière master class sera suivie, le 10 septembre, de la projection de La Famille Addams.

John McTiernan, réalisateur de Predator ou encore Die Hard, donnera une des cinq master class du Festival

Et bien plus encore !

Si le BIFFF est un festival de cinéma, c’est aussi une fête du fantastique au sens large, et sous ses nombreuses formes.

Figureront, ainsi, au programme :
– une multitude d’animations – une chaque soir – et de « happenings »,
– l’expo « La Recyclerie Fantastique », consacrée au superbe travail de Jacques Lélut,
– le traditionnel Make-up Contest,
– l’expo « Once Upon a Time at The BIFFF », best of des différentes expositions que le BIFFF a présentées en 40 ans de vie, qui verra exposés près d’une vingtaine d’artistes, mais donnera aussi à découvrir photos et vidéos d’archives du Festival,
– le VR Exhibition Day, qui, le jeudi 1er septembre, permettra aux festivalières et aux festivaliers de plonger dans trois films en réalité virtuelle,
– la Night 2022, ou l’enchaînement, la nuit du samedi 3 au dimanche 4 septembre, d’un court métrage et de quatre longs avec, à l’arrivée, un petit déjeuner bien mérité, et, bien sûr,
– le Bal des Vampires !

La 37e édition du Bal des Vampires démarrera le vendredi 9 septembre

Le cinéma coréen en force et notre concours exclusif

Cette année encore, la Corée sera présente au BIFFF en force avec pas moins de dix films, soit autant de témoins de sa diversité cinématographique.

En Cinémascope, en partenariat avec le Centre Culturel Coréen de Bruxelles, que nous remercions chaleureusement, vous propose de remporter trois soirées coréennes au BIFFF avec un accès, pour vous et, à chaque fois, la personne de votre choix, à la projection, en avant-première belge, des films Midnight, Tomb of the River et Sinkhole !

Pour participer et tenter de remporter un de ces cinq packs de six séances, rien de plus simple :
1) Aimez la page Facebook de « En Cinémascope »,
2) Identifiez vos trois ami(e)s en commentaire, et
3) Aimez et partagez cette publication Facebook en mode public.

Début du concours : aujourd’hui, vendredi 26 août, à 10h.
Fin du concours : le mercredi 31 août à 10h.
Tirage au sort, puis annonce des résultats : le mercredi 31 août à 14h.

Midnight, de Oh-seung Kwon, présent dans la « Emerging Raven competition », sera projeté le vendredi 2 septembre à 19h.
Tomb of the River, de Young-bin Yoon, sera, quant à lui, diffusé le lendemain, samedi 3 septembre, à 19h, et fait partie de la « Black Raven competition ».
Enfin, Sinkhole, de Ji-hoon Kim, sera projeté le dimanche 4 septembre, à 18h30. Cerise sur le gâteau, cette troisième séance sera suivie d’un Q&A en présence du réalisateur du film. De quoi clôturer de belle manière ce voyage en Corée !

Bonne chance, déjà, à toutes et à tous !

Le thriller Tomb of the River, en lice cette année dans la « Black Raven competition »

Par ailleurs, le cinéma coréen sera, nous vous le disions, une nouvelle fois présent en force au BIFFF avec, outre les trois films pour lesquels vous pouvez remporter des places, sept films venus le représenter, programmés du mardi 30 août au mercredi 7 septembre avec, successivement, en avant-premières belges et, parfois même, européennes :
The Cursed: Dead Man’s Prey,
The Killer,
Confession,
Hansan: Rising Dragon,
The Witch Part 2: The Other One,
Special Delivery (dont la projection sera suivie d’un Q&A avec le réalisateur), et
Next Door.

Plus d’infos : bifff.net

Excellent Festival à toutes et à tous !

Jean-Philippe Thiriart

Avant-premières de DECISION TO LEAVE et rétrospective Park Chan-wook : interview du réalisateur et retour sur OLD BOY

Avant-premières de DECISION TO LEAVE et rétrospective Park Chan-wook : interview du réalisateur et retour sur OLD BOY 800 1200 Jean-Philippe Thiriart

Ce jeudi 4 août, à 19h, le cinéma Palace, à Bruxelles, présentera en avant-première le nouveau film du réalisateur coréen culte Park Chan-wook, un des maîtres du cinéma de genre. Prix de la Mise en Scène au Festival de Cannes cette année, Decision to Leave arrive 18 ans après Old Boy (2004) (voir critique ci-dessous), lui aussi récompensé à Cannes, où il remportait le Grand Prix et 13 ans après Thirst, ceci est mon sang, Prix du Jury en 2009. Notons également l’incursion dans le cinéma américain du metteur en scène coréen en 2013 avec Stoker, son premier film tourné en anglais, avec Nicole Kidman notamment.

Le samedi 6 août, c’est un autre cinéma bruxellois, le cinéma Aventure, qui célèbrera Park Chan-wook. Avec, là-aussi, la présentation, à 19h, de Decision to Leave en avant-première. Et une rétrospective consacrée à son cinéma avec la projection de trois autres de ses films ce mois-ci : Old Boy (le 9 août), Stoker (le 16) et Mademoiselle (The Handmaiden) (le 23).
Un « pass Park Chan-wook » comptant quatre places, donnant accès à chacune des séances à tarif réduit, Decision to Leave inclus, est disponible sur le site de l’Aventure.

Park Chan-wook nous avait accordé un agréable entretien lors de la 35e édition du Festival International du Film Fantastique de Bruxelles (le BIFFF, dont la 40e aura lieu au Palais 10 de Brussels Expo du 29 août au 10 septembre). C’était en 2017, peu après que le réalisateur coréen fut adoubé Chevalier de l’Ordre du Corbeau à la grand-messe du cinéma fantastique bruxelloise.

Notez que nous organiserons bientôt, en partenariat avec le Centre Culturel Coréen de Bruxelles, un concours vous permettant de remporter pas moins de 30 places pour trois des films coréens présents cette année au BIFFF.

Crédits vidéo : Simon Van Cauteren
Merci à Haetal Chung, du Centre Culturel Coréen de Bruxelles, qui a joué le rôle d’interprète de Park Chan-wook lors de l’interview !

Si Decision to Leave sera présenté en version originale sous-titrée bilingue, les films de la rétrospective seront, quant à eux, à (re)découvrir en version originale sous-titrée français.

Signalons enfin que la projection en avant-première de Decision to Leave au Palace est organisée en collaboration avec le Centre Culturel Coréen de Bruxelles et Cinéart, tandis que celle qui se tiendra à l’Aventure a lieu en collaboration avec la nouvelle revue belge de cinéma Surimpressions.


Old Boy

Réalisé par Park Chan-wook (2004)
Avec Choi Min-sik, Yoo Ji-tae, Gang Hye-jung

Drame, thriller
1h59

★★★★

Old Boy fait partie de la trilogie que Park Chan-wook a consacré à son thème le plus cher : la vengeance. Initiée en 2003, cette saga comprend, outre Old Boy, Sympathy for Mr. Vengeance, réalisé en 2003, et Lady Vengeance, commis en 2005.

Précisons d’emblée que si chacun des épisodes de la trilogie est rudement efficace, Old Boy est le meilleur des trois films. Le film avait d’ailleurs remporté le Grand Prix du Festival de Cannes 2004, dont le jury était présidé cette année-là par un certain Quentin Tarantino.

Choi Min-sik, percutant dans le magnifique Old Boy

Si Old Boy s’inscrit un rien dans la même lignée que Kill Bill 1, le film du réalisateur sud-coréen n’a rien à envier au travail de Tarantino, loin de là. Il méritait d’ailleurs à Cannes, cette année-là, tellement plus la Palme d’Or que le très bon Fahrenheit 9/11 de Michael Moore. On ne réécrit pas l’histoire.

Old Boy fait partie de ces œuvres qu’il faut avoir vu au moins une fois dans sa vie. Jouissif au possible et d’une grande violence – nécessaire au scénario -, ce métrage n’est pas à mettre sous tous les yeux. Servi par un scénario en béton, clos par un final dantesque et porté par un acteur au sommet de son art en la personne de Choi Min-sik, qui avait déjà brillé dans le film Ivre de femmes et de peinture, le film mérite absolument les quatre étoiles que nous lui accordons.

Bienvenue en enfer !

Jean-Philippe Thiriart

Nos cotes :
☆              Stérile
★              Optionnel
★★          Convaincant
★★★       Remarquable
★★★★    Impératif

Jérôme Vandewattyne, réalisateur de " Slutterball "

SLUTTERBALL a 10 ans : retour sur le court métrage de Jérôme Vandewattyne

SLUTTERBALL a 10 ans : retour sur le court métrage de Jérôme Vandewattyne 2560 1442 Jean-Philippe Thiriart

Slutterball, le deuxième court métrage pro de Jérôme Vandewattyne (également leader de VHS From Space, groupe de rock grunge psychédélique dont le nouvel album sortira bientôt), fête cette année ses dix ans. Réalisé un an après She’s a Slut (trailer-off, en 2011, du Festival International du Film Fantastique de Bruxelles, le BIFFF), il sera suivi, cinq ans plus tard, du premier long de Jérôme, le documenteur Spit’n’Split. Cinq autres années se sont écoulées depuis lors et Jérôme et son équipe viennent de boucler, voici trois jours, le tournage de leur nouveau bébé : le long métrage The Belgian Wave.

The Belgian Wave a bénéficié de l’aide à la production légère de la Fédération Wallonie-Bruxelles. La phase de montage démarre ce 15 juillet, pour une finalisation du film en mars 2023. L’image a été mise en lumière par Jean-François Awad, avec lequel Jérôme a réalisé chacune de ses dernières publicités. Quant au scénario, il a été écrit par Jérôme Vandewattyne, Kamal Messaoudi et un autre Jérôme : Jérôme Di Egidio.

Une partie de la fine équipe de The Belgian Wave

Comme on n’a pas tous les jours dix ans, nous vous proposons aujourd’hui un retour sur Slutterball, avec une interview du réalisateur réalisée alors. Le film avait été tourné dans le cadre du premier CollectIFFF, collection de douze courts métrages réalisés par 19 jeunes cinéastes en hommage au Festival International du Film Fantastique de Bruxelles (BIFFF).

Notez que ce dernier fêtera lui aussi son anniversaire cette année. Et quel anniversaire : 40 ans ! Il se déroulera du 29 août au 10 septembre prochains au Palais 10 de Brussels Expo.

Nous reviendrons bientôt sur Spit’n’Split avec, au menu, l’interview du réalisateur effectuée peu avant la sortie du film, et les critiques du film et du DVD.

Jérôme, quelles sont tes influences, en général, et pour Slutterball en particulier ?

Slutterball et She’s a Slut sont un petit peu deux courts à prendre en un dans le sens où l’un est un peu la suite de l’autre. Au BIFFF, le public hurlait la phrase « she’s a slut » en voyant le premier court métrage, qui était une fausse bande annonce et qui n’avait pas vraiment de titre, et j’ai eu envie d’aller plus loin avec le deuxième en partant du principe qu’on était tous des « sluts » : les acteurs d’un jeu stupide mais aussi le public qui le regarde. Mes influences, ce sont les films Grindhouse des années 70 et les Midnight Movies (Pink Flamingos de John Waters, Eraserhead de David Lynch, etc.). L’influence première, évidemment, était surtout le film Rollerball. Le but était de reprendre l’idée des jeux remis dans un esprit futuriste avec des guerrières sur des patins, cette fois. Avec des personnages totalement loufoques et en gardant la totale liberté des films Grindhouse, avec une partie de freaks aussi. Je pense aussi à Faster, Pussycat! Kill! Kill! de Russ Meyer et aux films Troma de Lloyd Kaufman.

Est-ce que tu peux nous parler des conditions de tournage, assez rock’n’roll je crois…

C’était compliqué parce que ça a été réparti sur plusieurs mois. On a commencé à tourner en septembre et on a eu fini fin mars. La deadline approchait à grands pas et ça a généré un peu de stress. Dès le départ, j’ai su que je devais monter le film pendant que je le tournais.

Une bonne partie de l’équipe du haut en couleur Slutterball

Comme Gus Van Sant avec Last Days

Oui, tout à fait ! Ou même Lynch dans Inland Empire, bien que lui réécrivait l’histoire, ce qui est un peu différent. Si ça s’est réparti autant, c’est parce que je voulais que le niveau soit supérieur à She’s a Slut. Donc du coup, je voulais y mettre plus de moyens et de préparation mais le problème, c’est que, comme toute mon équipe est entièrement bénévole, je ne pouvais pas avoir les gens à ma disposition comme je le voulais, tout le temps : il fallait à chaque fois trouver un jour qui arrangeait tout le monde et comme on était minimum 15 personnes, ce n’était pas évident. Parfois, on était un peu plus – une trentaine -, surtout pour les scènes de roller.

Peux-tu nous parler des couleurs à présent ? L’étalonnage a été particulier dans le sens où tu as vraiment des couleurs flashy…

Dès l’écriture, je savais que je voulais que la scène où Rémy Legrand meurt, je voulais des peintures dans tous les sens. C’est pour ça que les couleurs jurent autant dans les maquillages et les costumes, par exemple. Au final, ça crée un univers un peu surréaliste en fait. Le but est qu’on ne sache pas trop bien où on est. Le ciel a été beaucoup retouché : il est souvent très bleu, très lumineux, un peu dans l’ambiance des Simpson. On a beaucoup joué avec les perruques : rouges, vertes, bleues. On a aussi joué avec des lentilles de couleur au niveau du maquillage. Finalement, ce qui est marrant, c’est qu’on se rend compte que le personnage qu’est Carlos, un pédophile, est peut-être bien le personnage le moins loufoque de cet univers-là. J’aimais donc bien cette contradiction pour qu’on se demande, au final, ce qu’on est en train de voir. J’aime aussi me dire que tout n’est qu’une mascarade et que ce pauvre gars n’est peut-être même pas pédophile mais qu’il se retrouve flagellé sur la place publique et que personne ne se pose de question.

Au moment de l’étalonnage, j’ai vraiment souhaité qu’on pousse les couleurs au maximum et j’ai eu à un moment une hésitation quant à savoir si j’allais remettre les griffures de pellicule, comme c’était le cas dans She’s a Slut, pour donner un effet Grindhouse, parce que je trouvais très beau de voir cette succession de couleurs flashy qui piquaient les yeux.

C’est notamment ton groupe, VHS From Space, qui est présent à la musique…

Tout à fait. L’idée était de créer des morceaux différents de ce qu’on joue sur scène, pour servir l’univers du film.

Les génériques du film sont très léchés. Quelle importance revêtissent-ils à tes yeux ?

J’accorde vraiment énormément d’importance aux génériques parce que c’est, à mes yeux, un art à part entière. Je trouve ça dommage de regarder un film où le générique n’est pas du tout travaillé. Un générique est comme une hypnose qui te donne directement le ton.

Le BIFFF, ça représente quoi à tes yeux, toi qui as grandi avec le Festival ?

C’est le lieu de tous les possibles. Un lieu de rencontre avec tous les professionnels aussi. Avec des fans du genre. C’est un peu la cour de récré des sales gosses. C’est un défouloir total et c’est pour ça que j’ai voulu rendre hommage à ce public complètement dingue avec Slutterball. Surtout les séances de minuit, qui sont des séances qui m’ont marqué. Je voulais faire du cinéma popcorn pour un peu titiller ce public averti.

Faire partie du CollectIFFF, c’était une évidence ?

J’avais déjà l’idée de Slutterball un peu après She’s a Slut. Je me suis dit que ce serait chouette de faire jouer des patineuses comme dans Rollerball. J’avais émis l’idée aux gars du CollectIFFF qui m’ont dit que Slutterball rentrerait complètement dans ce cadre-là. Ce qui est surtout intéressant dans le CollectIFFF, c’est que chaque réalisateur a une personnalité bien à lui. Tu m’as fait la réflexion que mon film était assez hard et c’était voulu. Je l’ai réalisé pour un public qui attendait des choses qui prennent aux tripes et qui veulent se prendre des images ou des idées fortes. Et au final, ça reste un film bon enfant avec un côté punk et libre.

She’s a Slut comptabilise plus de 4 000 vues…

C’est vrai ? C’est super, d’autant que ça démarrait d’un travail de fin d’études dans une école de communication, l’ISFSC. Et c’était un premier essai pour le grand écran. Les gens semblent avoir apprécié la petite blague. J’espère qu’ils aimeront Slutterball, qui est vraiment un cran au-dessus dans l’humour poisseux et la violence. On a fait ça avec tout notre cœur en tout cas.

Jean-Philippe Thiriart

C’EST ARRIVÉ PRÈS DE CHEZ VOUS, ce soir en TV : 30 ans déjà !

C’EST ARRIVÉ PRÈS DE CHEZ VOUS, ce soir en TV : 30 ans déjà ! 660 287 Jean-Philippe Thiriart

C’est arrivé près de chez vous

Réalisé par Rémy Belvaux, André Bonzel et Benoît Poelvoorde
Avec Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux André Bonzel, Jacqueline Poelvoorde Pappaert

Comédie dramatique
1h33

★★★★

Petit rappel de barème…

C’est arrivé près de chez vous fête cette année ses 30 ans ! C’est dans ce cadre que La Trois programme ce soir, à 22h05, le film qui a marqué plusieurs générations de spectateurs belges. Mais pas que.

C’est l’histoire un peu magique d’un film de fin d’études devenu culte.
À l’époque, Rémy Belvaux (1966-2006, frère de Lucas) s’entoure de ses camarades Benoît Poelvoorde et André Bonzel pour réaliser ce vrai-faux documentaire sur Ben, tueur semi-professionnel s’attaquant à la classe moyenne et aux personnes âgées. Le personnage principal embarque alors les membres de l’équipe de tournage dans ses nombreuses péripéties. L’occasion pour Ben de bénéficier ponctuellement d’une assistance bienvenue.

Mais il serait indécent de s’épancher sur l’histoire de ce film tant ce serait un affront à tout cinéphile belge (ou autre) qui se respecte. En effet, C’est arrivé près de chez vous fait indéniablement partie de ces films piliers du cinéma belge. Ces films ayant désormais une place de choix dans le patrimoine cinématographique du plat pays qui est le nôtre. Filmé en 16 mm et en noir et blanc pour contraintes budgétaires, cette comédie à l’humour noir débridé et au côté glauque parfaitement assumé est devenue pépite de la nation qui voit encore aujourd’hui ses répliques aussi bien scandées dans les soirées étudiantes (« Malou… ») que déclamées dans les soirées plus mondaines (aaah la recette du Petit Grégory !).

Ses personnages y sont d’ailleurs pour beaucoup puisque Benoît Poelvoorde, dont c’était d’ailleurs le premier rôle dans un long métrage, campe certes un tueur mais aussi un fils aimant et un camarade à la vision du monde politico-poétique sans nulle autre pareille. Sur ce dernier point, on ne peut passer à côté du rôle tenu par la propre mère de Poelvoorde (jouant donc la mère du personnage principal) qui représente un personnage secondaire fondamental du long métrage réalisé par le trio. Pour l’anecdote, si elle est si authentique à l’image, c’est certainement dû en grande partie au fait que l’équipe du film lui avait présenté son projet comme un réel documentaire sur son fils et non comme une fiction sur un tueur brutal.

C’est arrivé près de chez vous a rencontré un franc succès public et critique en son temps puisque, sélectionné dans différents festivals, il reviendra avec son petit lot de récompenses dont deux rien que durant le Festival de Cannes 1992 (Prix SACD de la Semaine de la Critique et Prix de la jeunesse). Comme quoi, l’autodérision à la belge, le sens de la débrouille et une petite boîte de Cedocards faisaient déjà beaucoup il y a 30 ans !

Guillaume Triplet et Jean-Philippe Thiriart

Nos cotes :
☆              Stérile
★              Optionnel
★★          Convaincant
★★★       Remarquable
★★★★    Impératif

BATMAN : les adaptations du Chevalier Noir sur grand écran

BATMAN : les adaptations du Chevalier Noir sur grand écran

BATMAN : les adaptations du Chevalier Noir sur grand écran 1400 700 Guillaume Triplet

La sortie de The Batman de Matt Reeves nous donne l’occasion de revenir sur les différentes adaptations au cinéma des aventures de la plus célèbre des chauves-souris puisque, même si les différents traitements du personnage depuis les années 60 ne se sont pas toujours valus en termes de qualité, le fait est que l’ombre du super-héros capé de noir a toujours plané sur le 7e Art. Loin d’avoir la prétention de retracer l’histoire complète du personnage et de ses multiples traitements (des encyclopédies ou sites spécialisés le feront bien mieux que ce modeste article), nous nous concentrerons surtout sur le prisme de la toile, qui permet de brasser, dans une certaine mesure, l’évolution de ce personnage torturé, vengeur mais porteur d’espoir car mu par le combat contre l’injustice et la pègre, auquel certains réalisateurs auront rendu un bien bel hommage.

Le muet comme base

Personnage apparu pour la première fois dans le numéro 27 de Detective Comics en 1939, Batman est la création de Bob Kane et Bill Finger. Mais il n’est pas sorti d’un claquement de crayon puisqu’il fut inspiré du film muet de 1926 The Bat (L’Oiseau de Nuit) réalisé par Roland West. L’histoire est celle d’un criminel vêtu comme une chauve-souris géante qui terrorise les hôtes d’une vieille demeure louée par un étrange écrivain. Et il est vrai qu’à la vue de certaines images extraites du film ou même de l’une ou l’autre version de l’affiche de l’époque, la référence saute aux yeux.

The Bat (1926)

L’homme chauve-souris se différencie des autres super-héros, et notamment de Superman, créé un an avant lui, par son absence de pouvoirs surhumains. En effet, son histoire est celle d’un simple quidam qui, sous son costume de chiroptère, décidera de s’attaquer aux crimes qui rongent la ville de Gotham City après avoir été témoin, enfant, de l’assassinat de ses parents par un voyou. La donne est annoncée dès le départ. Batman sera un personnage sombre mais surtout une figure à laquelle le lecteur pourra plus facilement s’identifier du fait de sa normalité.

« West » side story

L’année 1966 marque la création d’une série télévisée (pas la première puisque deux avaient été produites auparavant, en 1943 et en 1949) dans laquelle Batman est incarné par Adam West et Robin, acolyte historique de la chauve-souris depuis les comics de 1940, par Burt Ward. Au total, trois saisons et 120 épisodes seront diffusés entre 1966 et 1968. Le but : redorer quelque peu le blason du personnage dont les ventes de comics se sont montrées plus fébriles depuis 1964.

Mais la première année de diffusion de la série voit également naître, en parallèle, le premier véritable long-métrage consacré au personnage. Batman, réalisé par Leslie H. Martinson, est purement dans l’esprit de la série. Esthétique kitschissime, effets spéciaux rocambolesques, le film, tout comme la série, sont en quelque sorte une extension des comics portée à l’écran. Les couleurs, les costumes ou encore les fameux « paw » et autres « kaboom » apparaissant en pleines lettres dessinées au moment des coups de poings échangés sont là pour le rappeler. Dans ce film, pas moins de quatre méchants se liguaient pour anéantir Batman et Robin : le Joker (Cesar Romero), le Pingouin (Burgess Meredith. Oui, Mickey, l’entraîneur de Rocky.), Catwoman (Lee Meriwether) et le Sphinx (Frank Gorshin). Si l’œuvre de Martinson se caractérise par son côté coloré et les défauts de son époque, elle n’en reste pas moins une espèce de madeleine de Proust pour les plus anciens et donc un film qu’il est agréable de revoir ne serait-ce que pour son côté fantaisiste, son sens parfois basique de la morale, son humour décalé mais aussi et surtout pour sa superbe bande originale empreinte de jazz et de blues.

Batman (1966)

Dream Tim

Il aura fallu patienter pas moins de 23 ans avant de revoir une adaptation du Chevalier Noir sur grand écran puisque c’est en 1989 que sort le Batman de Tim Burton, premier de sa série. Dans la ville de Gotham, le crime et la corruption sont rois. Batman tente tant bien que mal d’éradiquer cela mais aura fort à faire face au personnage de Jack Napier devenu le Joker et dont le but est de semer le chaos tout en gardant le sourire.

Michael Keaton est Batman

Avec ce premier volet, les choses sérieuses commencent puisque Burton insufflera véritablement son univers au film, qui se voudra nocturne, gothique, relativement violent et aux influences mélangeant films de gangsters à l’ancienne, fantastiques et d’horreur. Si Burton prend des libertés par rapport aux comics pour développer l’histoire, il parvient à se rapprocher visuellement de l’ambiance de l’œuvre dessinée de l’époque Bob Kane. Batman reste une réussite de bout en bout grâce à son inspiration, ses effets spéciaux, ses décors, ses costumes ainsi que son admirable trio d’acteurs principaux : Michael Keaton, Jack Nicholson et Kim Basinger. Keaton (ayant incarné Beetlejuice un an auparavant pour le réalisateur) sera choisi pour endosser la cape et le costume malgré une carrure loin d’en imposer et une taille modeste (1,75 m). L’acteur offre toutefois une incarnation du personnage pour le moins crédible pour l’époque (notamment grâce aux dons du costumier Bob Ringwood) et en fait un héros auquel il n’est pas difficile pour le public de s’identifier. Pourtant, on ne peut nier qu’à plusieurs égards, la vedette lui soit de temps à autres volée par un magistral Jack Nicholson dans le rôle du Joker, ennemi historique de Batman. Burton en fait un dandy du crime à la punchline assassine et jamais en manque d’idées. Nicholson crève véritablement l’écran dès le début en tant que lieutenant d’une bande de mafieux mais poussera véritablement le curseur une fois devenu le Joker après avoir été jeté dans une cuve de déchets toxiques par la chauve-souris et remis « en état » par un obscur chirurgien muni d’outils de fortune dans une cave éclairée par une simple ampoule. La bête renaît et annonce la couleur dès sa première apparition.

Jack Nicholson dans le rôle du Joker

L’intérêt du film consiste également en la mise à l’écran une espèce de miroir entre le héros et son double maléfique dans un brillant face-à-face où le personnage de Vicky Vale, photographe de presse incarnée par Kim Basinger, joue un rôle beaucoup plus prépondérant qu’il n’y paraît. Le Batman de Tim Burton se positionne encore aujourd’hui comme une certaine référence que le public de l’époque aura d’ailleurs suivie puisque le premier week-end de sa sortie, le film battra le record du meilleur démarrage en termes de recettes.

Vu comme cela, la Warner aurait eu tort de s’aventurer sur d’autres terrains. C’est donc Tim Burton qui reprendra les manettes pour Batman Returns (Batman – Le Défi, en français) en 1992. Dans la droite lignée du précédent en ce qui concerne la mise en scène, ce second volet opte pour davantage de couleurs froides dans sa photographie.

Michael Keaton rempile en 1992

L’histoire se déroule en période de Noël et les illuminations contrastent efficacement avec le côté froid de la ville et de ses égouts, d’où est issu l’un des ennemis du Chevalier Noir dans cet épisode, le Pingouin. Interprété avec brio par Danny DeVito, il parviendra à se faire une place dans le monde extérieur grâce à une association avec le véreux Max Shreck, joué, lui, par Christopher Walken. Ce vilain duo bien pensé offrira deux facettes intéressantes. D’un côté, la soif de pouvoir de Shreck, de l’autre, le désir de vengeance du Pingouin, cet être difforme abandonné et exclu depuis toujours. Une espèce de médaille à deux faces ayant besoin l’une de l’autre et de dichotomie reflétant encore une fois le personnage de Bruce Wayne / Batman puisque le premier pourrait être amené à négocier avec le businessman le jour tandis que le second combattrait l’homme-alcidé la nuit.

Danny DeVito est le Pingouin

Mais Batman Returns est aussi le film dans lequel apparaît le personnage de Catwoman, campé par la sublime Michelle Pfeiffer. D’abord modeste secrétaire qui se fait défenestrer par son patron Max Shreck, Selina Kyle sera en quelque sorte ramenée à la vie par des chats errants. La survivante se crée le costume qu’on lui connait après sa mésaventure et arpente les rues et toits de Gotham pour goûter à une liberté retrouvée qui s’accompagne de bien des méfaits.

Catwoman jouant au chat et à la (chauve) souris

Superbement écrit et réalisé, le film de 1992 se caractérise également par une certaine liberté de narration de la part de Burton, qui ne respecte pas à la lettre les codes des comics. Mais l’autre prise de distance de la part du réalisateur réside dans le traitement de son méchant principal. Si le personnage du Joker dans le premier volet de 1989 se présentait comme assez chic et subtil, c’est loin d’être le cas ici. En effet Burton met l’accent ici sur le côté hideux du Pingouin dont la saleté et l’odeur de poisson cru paraissent presque palpables. Le metteur en scène semble s’amuser en intégrant dans son film les « freaks » dont il raffole, illustrés par Oswald Cobblepot (vrai nom du Pingouin) mais aussi par son armée de clowns aussi exclus de la société que lui et ses manchots armés de missiles.
Avec Batman Returns, Burton a clairement transformé l’essai que représentait Batman trois ans plus tôt en proposant un film audacieux et libre où la violence monte d’un cran et qui s’adresse donc à un public averti. La Warner ne manquera d’ailleurs pas de lui reprocher, elle qui attendait une œuvre un plus familiale, comme le seront les deux volets suivants.

Schumacher, le fossoyeur

Si Tim Burton laisse les rênes de la réalisation pour le troisième volet, il n’en garde pas moins un œil dessus en embrassant la fonction de producteur. Batman Forever sort en 1995 et est dirigé par Joel Schumacher, clipper et réalisateur au savoir-faire certain (il signe des clips pour INXS ou Lenny Kravitz mais aussi, entre autres, Chute Libre et, par après, 8 MM, Personne n’est Parfait(e) ou encore Veronica Guerin). Pourtant, si le bonhomme a pu mettre sur pied des films qui ont fait date, on ne peut pas dire qu’il ait excellé dans les deux chapitres de Batman dont il a eu la responsabilité.

Batman Forever

L’univers est complètement revu ici avec une esthétique beaucoup plus colorée et flashy voire parfois cyberpunk. C’est Val Kilmer qui reprendra le rôle de Bruce Wayne / Batman dans cette histoire qui voit naître son acolyte Robin, joué par Chris O’Donnel. Ce dernier campe le jeune Dick Grayson, acrobate de cirque recueilli par Wayne après avoir vu sa famille se faire tuer par Harvey Dent / Double-Face (Tommy Lee Jones) lors d’un spectacle. Ils lutteront ensemble contre le précité, qui s’associera quant à lui au Sphinx (Jim Carrey), alter ego d’Edward Nigma, scientifique ayant mis au point une machine pour manipuler le cerveau humain.
Avec Batman Forever, dont le titre et la chanson phare Kiss from a Rose de Seal évoquent un romantisme bas de plafond, on entre dans un registre opposé à ce qui avait été proposé en 1989 et en 1992. Le côté sombre du justicier semble s’écarter au profit d’un film beaucoup plus grand public avec, paradoxalement, quelques scènes suggestives où la très sexy psy de Bruce Wayne, jouée par Nicole Kidman, n’hésite pas à jouer de ses charmes auprès de la chauve-souris. Ça commence à sentir le moisi et les fans ne manqueront pas de le faire entendre tant le film s’apparente à une farce, qui le sera toutefois beaucoup moins que le volet suivant.

Les méchants hauts en couleurs de Batman Forever

Schumacher remet le couvert en 1997 avec Batman et Robin. Mais si l’épisode précédent se présentait déjà comme un premier dérapage, le réalisateur pousse encore plus le curseur dans la mauvaise direction avec celui-ci au point d’en faire tout bonnement une parodie plastique dans laquelle l’authenticité cinématographique est aux abonnés absents. George Clooney enfile la cape, Chris O’Donnel rempile dans le rôle du second couteau, tandis que les méchants seront incarnés par Arnold Schwarzenegger, en Mr Freeze menaçant de plonger Gotham dans la glace si on ne lui permet pas de ressusciter sa femme cryogénisée, et Uma Thurman en Poison Ivy, botaniste allumée désirant que les plantes reprennent le pouvoir. Tout sonne faux. Chris O’Donnel lui-même parlera de ce volet en l’apparentant à « une gigantesque pub pour des jouets » alors que Batman Forever était encore un film. Et on ne peut lui donner tort à la vue de ce spectacle pathétique animé par ni plus ni moins que des figurines grandeur nature. Largement décrié par les fans pour son non-respect du personnage, le film atteindra néanmoins un statut de film culte tant il représente ce qui s’est fait de pire dans la saga jusqu’à présent. Même l’apparition de Batgirl sous les traits d’Alicia Silverstone ne permettra pas de sortir le film du gouffre dans lequel il se sera plongé. Pourtant, et c’est tout à son honneur finalement, Joel Schumacher assumera parfaitement ses erreurs de parcours.

Batman et Robin (1997)

Finalement, le seul dont la classe est restée intacte dans tout cet imbroglio aura été Michael Gough dans le rôle d’Alfred, le fidèle majordome voire père de substitution de Bruce Wayne, qui aura superbement incarné le personnage à quatre reprises depuis le Batman de Tim Burton en 1989. Un record actuellement.

Michael Gough, excellent en Alfred Pennyworth

Nolan, le sauveur

Après un projet avorté en 2001, qui devait voir Darren Aronofsky (Requiem for a Dream) derrière les manettes, c’est en 2005 que le Chevalier Noir trouve un nouveau souffle grâce à Christopher Nolan (Memento, Insomnia…). Le réalisateur britannique offrira une trilogie de très haut vol à l’homme chauve-souris en faisant table rase du passé et en proposant une vision du personnage inattendue pour l’époque mais plus respectueuse des écritures des comics époque Frank Miller.
Pour incarner le Cape Crusader, il fallait un acteur capable de s’investir et de remplir le costume. Le choix se portera sur Christian Bale. Celui-ci avait marqué les esprits en jouant le dérangé Patrick Bateman (quasi homonyme de son rôle futur) en 2000 dans American Psycho mais aussi Trevor Reznik dans The Machinist en 2004, film pour lequel l’acteur avait perdu énormément de poids au point de ne plus peser que 55 kilos. À l’inverse, pour incarner Batman, Bale doit regagner en masse, chose qu’il accepte à grand renfort de nutrition et de préparation pour atteindre le physique rude et sculpté du nouveau justicier. Le choix de Nolan fut le bon tant l’acteur s’est positionné depuis lors comme le meilleur Batman à ce jour. Mais un acteur principal ne fait bien sûr pas tout.

Batman Begins

Les dés sont jetés avec Batman Begins. Nolan reprend le personnage à sa source et offre au spectateur d’assister à la naissance du héros en expliquant tous les passages importants. Du meurtre des parents du jeune garçon à sa première apparition en tant que justicier de Gotham en passant par son rapport aux chauves-souris, son éducation par Alfred (l’excellent Michael Caine), son entraînement drastique dans le camp de Ra’s Al Ghul ou encore la création de son costume et de ses gadgets avec Lucius Fox (Morgan Freeman), tout est passé en revue dans un métrage de 2h20 qui fourmille d’idées à chaque séquence pour un résultat qui dépasse toutes les espérances. La récréation de l’époque Joel Schumacher est définitivement finie. Le nouveau Batman sera noir et d’une densité jamais vue encore. Dans une ville morne rongée par la pègre et la corruption contre lesquelles lutte un commissaire Gordon (Gary Oldman) parfois esseulé, il arrivera à point nommé. Un brin d’espoir dans une Gotham vouée à la destruction par Ra’s Al Ghul, qui ne voit en elle que décadence.
Batman Begins est le renouveau de la série et une réussite totale. Le reflet d’une période cinématographique pour le moins intéressante avec des héros qui s’assument, plus authentiques et donc moins édulcorés, à l’instar de Casino Royale, nouveau James Bond incarné par Daniel Craig, qui sortira l’année suivante. Brillamment mis en scène et à la distribution phénoménale, Batman Begins est acclamé aussi bien par le public que la critique et offre un horizon de possibles pour la suite de la trilogie, que Nolan ne manquera pas d’exploiter au mieux et ce dès son deuxième chapitre, The Dark Knight.

The Dark Knight sortira en 2008 et marquera à plus d’un titre d’une pierre blanche l’histoire de la saga, l’histoire des films de super-héros et même, par extension, celle du cinéma en général.
Dans ce (très) long métrage de plus de 2h30, Christopher Nolan fait la démonstration de tout son savoir-faire en termes de narration, de mise en scène et d’effets spéciaux. Mais attention, rien n’est laissé au hasard et tout sert le propos du film.

The Dark Knight

Premier de toute la saga à ne pas comporter le nom « Batman » dans son titre, The Dark Knight voit la ville de Gotham City gangrénée par un chaos et une anarchie ayant pour nom le Joker, admirablement incarné par Heath Ledger, dont ce sera le dernier rôle puisqu’il décèdera à 28 ans avant la sortie du film, remportant d’ailleurs, à titre posthume, l’Oscar du meilleur second rôle en 2009. Une récompense amplement méritée tant le personnage du Joker crève l’écran. À la différence du Joker dandy de 1989, celui de Nolan se veut moins « propre » et incarne le désir de voir le monde brûler en riant aux éclats. Ce Joker qui parviendra à pousser Batman dans ses retranchements. La scène illustrant le mieux cela est sans doute le face-à-face dans la salle d’interrogatoire où le Cape Crusader ne peut s’empêcher de laisser libre court à une pulsion violente à laquelle il ne nous avait pas habitués jusque-là. Encore une fois, la figure du justicier et celle du Joker seront comme les deux côtés d’une même pièce qui ont, à l’instar du bien et du mal, besoin l’un de l’autre pour exister pleinement.

Dans The Dark Knight, Heath Ledger est le Joker

Il est également question de cette symbolique avec le personnage de Harvey Dent, qui laisse le hasard décider de certains aspects de sa vie à l’aide d’une pièce de monnaie qui ne le quitte pas. Ce procureur incarnant un futur plus propre pour Gotham City et une possibilité éventuelle pour Batman de laisser place à une sorte d’alter ego utilisant la justice et non les poings. Une sorte de chevalier blanc, comme mentionné dans le film. Sauvé par Batman après que celui-ci a été biaisé par le Joker, Harvey Dent, à moitié brûlé vif, deviendra Double-Face. Un personnage qui n’apparaîtra finalement plus dans la saga menée par Nolan.
The Dark Knight se positionnera en véritable chef-d’œuvre et mettra la barre si haut qu’une telle réussite aura probablement du mal à être à nouveau atteinte.

La trilogie de Christopher Nolan se clôture en 2012 avec The Dark Knight Rises. Ce chapitre boucle la boucle grâce à son méchant principal, Bane, montagne de muscles affublées d’un masque doté de câbles qui déforme sa voix et lui permet de vivre. Tom Hardy est impressionnant dans le rôle puisque même avec le visage caché, et donc sans véritable expression, sa stature inquiétante suffit à donner corps au personnage.

The Dark Knight Rises

Après une impressionnante scène d’ouverture, le film se poursuit sur Bruce Wayne en plein questionnement et qui a décidé de laisser de côté son costume de chauve-souris après les déboires vécus dans le volet précédent. Cassé physiquement et dépressif, le milliardaire n’aura d’autre choix que de dépoussiérer sa tenue et reprendre du service lorsque Gotham sera aux mains de Bane et en proie au chaos total. Entre menaces d’explosions atomiques, forces de police bloquées dans les égouts et tribunaux expéditifs de fortune prononçant des peines de mort ou d’exil, la Batmobile (véritable char d’assaut dans les trois films) et son occupant auront fort à faire. Batman bénéficiera d’ailleurs dans cette mission de l’aide ponctuelle d’une Selina Kyle / Catwoman (Anne Hathaway) malheureusement sous-exploitée.

Face-à-face entre Bane et Batman dans The Dark Knight Rises

The Dark Knight Rises referme donc cette admirable série sur un film qui, encore une fois, n’a cure de la durée puisqu’il affiche presque 2h45 au compteur. Mais qu’à cela ne tienne puisque, même si ce dernier épisode est légèrement en deçà de ses deux prédécesseurs, il clôture une série qui mérite sa place au panthéon des meilleures.

Snyder le showman

Habitué des films à grand spectacle, le réalisateur Zack Snyder reprend le flambeau en 2016 mais pas uniquement pour les aventures de Batman. En effet, l’époque du crossover est entamée et c’est Batman v Superman: Dawn of Justice qui verra le jour. Si le mélange des genres en comics est monnaie courante, il est clair qu’il en est autrement au cinéma. Zack Snyder s’offre un terrain de jeu qu’il semble apprécier mais qui peine parfois à convaincre dans cette histoire de confrontation entre le Chevalier Noir et l’Homme d’Acier. Si un premier rapprochement pouvait être vu dans ce projet du fait que le très bon Man of Steel de Snyder, sorti en 2013, avait été écrit par Christopher Nolan, le fait est que le premier choisit l’option grand spectacle pur alors que le second s’en servait pour servir une véritable histoire et ses personnages. Batman v Superman: Dawn of Justice se regarde sans déplaisir comme film du samedi soir mais ne restera pas dans les annales tant le traitement apporté à Batman semble grossier. Le jeu de Ben Affleck n’est pas à jeter, malgré les craintes émises à l’annonce du choix de l’acteur pour endosser la cape, mais un Batman en armure métallique a des difficultés à passer aux yeux des fans.

Batman v Superman

Snyder remettra le couvert en 2017 avec Justice League et poussera le curseur encore plus loin en termes de rencontres entre super-héros puisqu’ici, outre Batman et Superman, le reste de la bande est composée de Flash, Wonder Woman, Aquaman et Cyborg. Ben Affleck rempile dans le rôle du justicier en noir dans un film beaucoup plus porté sur le fantasy et la science-fiction, où il est question de combattre ni plus ni moins que des monstres à tailles démesurées. Un gros fouillis aux antipodes des chefs-d’œuvre proposés auparavant par Nolan.

Justice League

Pour des raisons dramatiques (le suicide de sa fille Autumn), Zack Snyder fut contraint de quitter le projet avant la fin. C’est donc Joss Whedon qui se chargera de retourner certaines scènes à la demande de la production et d’effectuer le montage du film. Lorsque Snyder voit le résultat, celui-ci ne lui convient pas. Le cinéaste décidera alors de proposer sa version du film. Zack Snyder’s Justice League sortira en 2021 dans une version de plus de quatre heures.

Guillaume Triplet